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20世紀不安的靈魂——關於安妮費雪的琴藝隨想

忘了是誰說的，40年代的錄音偏重聲音的水平表現，而現今的錄音偏向垂直的表現。我推想，所謂水平便是指聲音的開闊性，我們可讀到比較多的音的細節和層次；而垂直表現指的是高頻到低頻的幅度，這樣讀到的是聲音的厚度和深度。在音響上，這兩者很難取得實際演出時的平衡性。最多只能根據個人喜好，找到一個相對平衡的點。若一切器材完備妥當的情況下，每一套音響在每一個空間裡，都有一個合乎聆者喜好的、最完美聲響的空間位置，特別是喇叭的位置。

幾個月前我再度調整喇叭位置，居然覺得找到了空間裡最好的音場呈現，聲音透明度增加，變得亮麗開闊，線條的細節和層次織體都比以前清楚，於是很多CD的錄音特色都能一一顯現。當初便是因為聽到胡德夫寬厚的胸膛，知道聲音調得比較對了，甚至許多原先詬病的CD錄音也都完美表現出來。

這套安妮費雪的貝多芬全集入手將近兩年了，聽了一回便束之高閣，因為當時聽了覺得除了演出強勁有力之外，沒有其它特別的感受。心想，若說陽剛的強度怎比得上尤季娜呢。這兩天特別拿出來聽，一聽就入迷：除了依舊強勁的觸鍵之外，還多了許多東西——音色上的、速度上的和強弱力度上的變化。

以下是我隨筆的雜亂心得，外行的體會，還望行家們指正。

聽費雪的鋼琴演奏，忽然想通什麼叫做「錯落有致」！
她彈奏的每一個音符，既在又不在那剛好的位置上；這是非常精確的錯位，既在拍子上，又不在拍子上。乍聽之下會有雜亂之感，進一步才聽出當中的趣味。
每個音符的音響分離度清晰，也因過於清晰導致有時會感到差異形成的雜亂，以及音與音之間，音響的豐富變化——包括聲音、音調、音量、音色等等。所以，聽她的演出會有一種吃力感，似乎聽久了感到疲累，那是由於她一次給出的東西太多了，一時讓我們難以消化——而她給出的東西中，搶拍、突強、熾烈而巨大的情感，充滿存在的急促、焦慮與張力(緊張)⋯⋯
整體來說，她達到了彈性速度的極致：漸強處有漸弱、漸弱樂段中有漸強、一連串連音滑奏中仍有強弱速度的變化，真可謂神乎其技！所以聆聽時會覺得像捉泥鰍一樣，滑溜難以依據大體輪廓來掌握，必須極其專心和細心坐在費雪身旁，與費雪同步同呼吸之下，來分享領受她的音樂世界。

就以《悲愴》的慢板第二樂章來說，一般鋼琴家的演出很容易體會到規律的漫步下沈思冥想的意境，但是她的演出卻無法符合漫步的節拍，這是由於上述的各種彈奏技巧，消除了均一的步行節拍，反而更深入於內心與靈魂深處翻騰攪動的真實。而這一樂章的結尾，她出神入化地給出了三聲無奈的嘆息，令我驚嘆不已！

我覺得在她巨大的音樂造形下，有一顆共屬於20世紀的不安而騷動的靈魂。她是屬於20世紀世代的我們——整體經歷——的代表！


參考閱讀：哪位大師的聲音？/ 希普曼論音樂【一】