〈The Banquet of Cleopatra〉
不久前出席墨爾本(UBS)瑞士銀行的晚宴。
邀請函上邊是一幅Giovanni Battista Tiepolo的名畫
〈The Banquet of Cleopatra〉。
好玩的是晚宴就擺在維多利亞國立美術館收藏17~18世紀歐洲繪畫的大展覽廳中。銀行請來一個小型交響樂團的演奏。而Giovanni Battista Tiepolo的這幅名畫〈The Banquet of Cleopatra〉就懸掛在展覽廳的正中央最顯赫的位置，
那氣派著實不凡。
晚餐時打著蝴蝶領結的紳士經理人在我旁邊絮絮耳語，講述著UBS的傳統歷史以及他們奇特的銀行文化，並且說若有機會歡迎到瑞士參觀他們銀行的「保險箱」設備......。
展覽廳的空間敞闊，壁上高懸幾幅名家巨大油畫。悠揚的交響曲伴著一個個上台演講的經濟專家。他們演講的內容模糊地在廳中上空共鳴迴旋，片斷支離破碎。
那夜的情境一直留在記憶中。揮之不去。那氣氛極為夢幻，讓我宛如走進「達文西密碼」那部電影的氛圍裡。
我拿著那張舊邀請函跟幾個朋友說我很想再去看一次那幅畫。
但，沒有人理會我。
不久，好朋友阿木告訴我：我們的畫家朋友沈嘉蔚為墨爾本一家著名私校校長畫肖象。肖象完成他專誠由雪梨過來準備主持揭畫儀式。
阿木說：「我們一起陪妳去看妳說的那幅畫吧。嘉蔚很懂，等他來跟他一起去看才好玩。」
我說：「現在美術館正在展出Guggenheim Collection，我不久前在那個展覽裡看到這幅畫，很驚艷。」
嘉蔚來了之後，我拿出那張卡片，邀他一起去美術館看展覽。
他一頭霧水地說：「Guggenheim Collection收藏的都是現代與當代的藝術作品，這是18世紀的油畫怎麼可能出現在古根漢姆收藏展覽中？」
「可是.....我真的不久前看到過啊。」
「美術館裡有些展覽廳所展出的是該館的永久收藏作品，有些則是某一季的特殊主題，那些作品是流動巡迴的。這，妳有沒有搞清楚？」畫家看著我，肯定覺得我很低能。
沈嘉蔚說他在紐約時錯失了去參觀古根漢姆收藏展，這回機會難得，萬萬不可錯失。
這對我而言簡直是一場美麗的錯誤。
古根漢姆的收藏展覽果然非常前衛，嘉蔚對藝術的歷史、流派、個別作家的生平風格如數家珍，我非常驚訝於他對美術相關知識的淵博詳盡。
除了圖畫，藝術家用一切可能的「存在物」表現創作意念。
讓人印象比較深刻的有Alberto Giacometti偏向抽象形式的超現實雕塑。他的作品有將所有東西都「拉長」的表現。
像他的彫塑作品「鼻子」。特徵異常的拉長，長到一種令人害怕的程度。那麼長的鼻子究竟想要表現什麼？
介紹中說；那是在慾望結構裡一種不可見的真實。
對他來講，鼻子的身體和頭部一樣，可以變成任何東西，它不只是可以拉長變形，甚至可以溶解成比細粒還要小的東西，
不管它變形成什麼樣子，在他的慾望結構裡，沒有任何東西可以逃脫黑暗的空無，黑暗的空無指向死亡，它會把所有的東西（包括鼻子、頭部、日常生活的一切物體）都吸進去，然後溶解身體，發生在身體裡，折磨身體使它產生反應。
不知道那是藝術家自己的創作意念，還是評論家穿鑿附會的詮釋註解？
Alberto Giacometti的彫塑作品〈鼻子〉
下邊這幅名為Electric Chair〈電椅〉的作品是美國著名的Pop Art〈普普藝術〉創始人之一Andy Warhol〈安迪‧沃荷〉的創作。
安迪‧沃荷最早是位時尚鞋業的商業畫家，以及展示櫥窗的設計家。21歲赴紐約發展，24歲嶄露頭角，他的藝術與商業和大眾文化緊密結合。
插畫、漫畫、電影製作、錄製唱片、發行雜誌、出版傳記及主持脫口秀樣樣精采.....
他出身捷克移民家庭，從小體弱多病，患有風濕性舞蹈症。
他有名的香蕉、無限複製的瑪麗蓮夢露肖象、毛澤東、康寶濃湯罐頭、可口可樂.....明顯強調晚期資本主義社會的商品崇拜。突顯流行文化的平板性、無深度商品的大量出現，讓人反思一種名符其實的膚淺文化如何成為資本主義社會強而有力的符號。
他以他「庸俗的生命力」勇敢嘲弄藝術作品「介高尚」的格調。
前衛獨特，不按牌理出牌，譬如；他認為奇想式性愛遠勝於真實的性愛，永遠不去做是非常刺激的，最撩人的吸引力來自從未相遇的兩極。
他主張人到四十再開始男歡女愛。大腦是最大的性器官。
他說：「要有魅力的人不去跟別人發生性關係，就跟缺乏魅力的人要跟別人發生性關係一樣費力。」
安迪‧沃荷最忌妒的人是設計牛仔褲的李維與史特勞斯，他認為牛仔褲這種不斷複製卻又令人百穿不厭的神奇魅力是最棒的一種創造。
他主張「賺錢是一種藝術，工作是一種藝術，而賺錢的商業是最棒的藝術」。他以不到35歲的年紀，揚名美國藝壇，成為美國藝術史上不朽的傳奇人物。
這次美術館正在展出Guggenheim Collection，不但有平面藝術品的覽出。還有更多意想不到的空間設計、行為藝術、造型.....。每一件作品都值得品味再三。
有些作品意象繁複，有些則簡單到讓人懷疑「這也算大師作品嗎」？
譬如說下面這幅白帆布中間的一整片紅色(別懷疑，就是這麼簡單)
它是Yves Klein的作品。據說這顏色是他發明的。所以他不但用自己的姓氏命名，並註冊專利。他不止調這種紅，還調一種藍。他喜歡玩簡單的顏色。
一個想接近純粹的藝術家，把藝術內容形相剔走，試驗整個空間就只一個單色。他崇尚畫中無圖畫，書中無文字，音樂中無組成。
剩下的是，一個空殼。即，無。
古根漢姆美術館(Guggenheim Museum)的主要回顧展中，馬修•巴尼(Matthew Barney)是一位不可忽視的藝術家。他於1989年畢業於耶魯大學醫學系，堪稱當今作品規模與經費都最龐大的實驗電影導演。經典之作是「Cremaser Cycle（懸絲系列）」，由Cremaster 1到5等五部曲組成的史詩級實驗電影。
他的整部電影只出現12句對白，且劇情裡所有的古怪角色與生物都跨越性別及種族界限。像是有獵豹婦女、會跳踢踏舞的好色之徒、會吹風笛的蘇格蘭人、作家諾曼•梅勒(Norman Mailer)扮演逃脫藝術家哈利•胡迪尼(Harry Houdini)的重新想像版，與女演員烏蘇拉•安德魯斯(Ursula Andress)扮演的悲劇皇后。且這五部曲是以布斯比•伯克利(Busby Berkeley)30年代的好萊塢舞蹈場面、美國連續殺人犯加里•吉爾摩(Gary Gilmore)以及共濟會秘密儀式(Masonic ritual)為主軸。
他融合流行文化、個人幻想、高級藝術與建築學的獨特方法，創造出有別於我們傳統期望的創新表演。
看他作品大概可以用兩種方式，一種是像我這樣，完全不懂他在幹嘛，但努力發揮想像力編故事自得其樂的方式。
另一種則是「解碼式閱讀」，觀看前即作大量的功課，對馬修‧巴尼本人與其作品脈絡有基本的認識，觀看後徹底地研究影片中造型、符號、故事背後的意義、象徵與隱喻等的典故，儘量探求作者的意圖。
「解碼式閱讀」的快樂就在這裡，一旦解出某個符號的意思或角色扮演的是誰，會有一種「原來如此！」的興奮，而馬修‧巴尼的作品中，密碼之多絕對夠你解個痛快！
不過話又說回來，我們怎麼知道這是作者心血來潮的隨筆，還是經過嚴謹設計的編制？
欣賞馬修•巴尼(Matthew Barney)的作品後我有一個疑惑，欣賞這類前衛藝術的方法究竟在哪？
藝術家在創作過程中，到底該滿足觀賞者還是只滿足自己內心的衝動就夠了？
馬修•巴尼(Matthew Barney)的作品Cremaser Cycle（懸絲系列）1
馬修•巴尼(Matthew Barney)的作品Cremaser Cycle（懸絲系列）2
Gilbert and George
再介紹兩個有趣的藝術家，Gilbert and George。
Gilbert是義大利人，George是英格蘭人，兩人相差一歲，當初相遇在倫敦的聖馬汀藝術學院，自此一同創作。並成一對同性戀人。
他們在60年代透過達達式(破壞的，解構的，荒誕的行動表演)，對抗與生活無關的抽象表現繪畫，創作出觀眾參與藝術家私人經驗並連結藝術家的生命活動的作品。
Gilbert & George將生活中屬於社會禁忌的物件拼貼在影像上:如同性戀、性、拜金、宗教、種族等議題，爾後，竞也將髒話字眼和糞便並列在畫面上，並讓自己的形象複現在這些作品中，透過編導式的面無表情或誇張乖誕的戲劇性表演影像，震撼保守的英國藝術圈。90年代後關注的主題轉為所有身體的排泄物，範圍從嘔吐、血液、尿、精液到糞便。
他們一邊表演，一邊賣他們的作品。刻意製造矛盾和挑起議題，用藝術家的排泄物、骯髒低級的玩笑、無禮的幽默，作為一種抗議顛覆既有體制或生活框架的手段。
Gilbert and George作品1
Gilbert and George作品2
左：畫家沈加蔚 右：作者簡昭惠
從古根漢姆的收藏展覽中我受到很大的觸動和啟發。
學院派學者們嚴謹治學，對古文或歷史斟字酌句，戒慎恐懼害怕稍有閃失。
如果他們讓自己放一天假，來看看這些「匪夷所思」的東西，他們不知道會有什麼感受？
活著，也可以這樣？
即使放浪形骸，百無禁忌也可成一家之言，不朽之作，傳世經典。
這次Guggenheim Collection展出了68位來自世界各地前衛藝術家的作品，仔細看一整天也看不完。每一位藝術家都有他們獨樹一格的創意和作品，開風氣之先鋒，導潮流之趨勢。顛覆傳統的老舊乏味，為藝術文化、社會價值創造一個新領域。
感謝畫家沈嘉蔚的啟蒙與導覽，限於篇幅，我只能挑幾個簡單介紹與讀者分享，遺憾難免。〈完〉
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