攝影是一種創作，而不只是記錄。
Henri Cartier-Bresson提出「決定性的瞬間」觀念，認為攝影在拍攝的一瞬間就已決定有關這張照片的一切，依照這般說法，各種線條、顏色、元素、構圖、意向，均取決於攝影者按下快門的那個當下。小傑先前對於攝影的想法也傾向這種主張，對於透過「後製作」程序為影像加工，總覺得這般事後作業好像不能如實的反映「最自然」的那個拍攝時空與心理狀態，這類作品再怎麼漂亮吸引人，還是外逸於經驗世界的產物。
但是，Andsel Adams用「攝影就像譜曲，沖片猶如實際演出」一語提醒我們，一張相片的成形，並不只有取決於拍攝的決定性瞬間，且得掛靠著後續的沖片過程，才能使影像完備。將攝影當下與後續沖片程序區分開來，帶有濃厚的詮釋學色彩，這種詮釋，可能是沖洗店老闆或小妹在沖片時主觀的調濃或調淡部分色彩元素，使得照片得更形光豔或趨近於沖片者認為的真實色澤，也有可能是攝影者本身在黑白暗房沖片時，主觀的利用不同飽和度的相紙創造出層次不同的作品，而這些沖片工作，也是攝影創作不可分割的一部分。
在數位時代來臨時，Adams的立論可以改寫為「數位攝影就像譜曲，電腦後製猶如實際演出」。當告別感光乳劑組合而成的銀鹽軟片時代，數位相機裡使用的CCD/CMOS感光元件，以數位訊號抓攫RGB三色頻譜，靠著數位技術取得的攝影資料，也和其他資料形式一樣，都可以0與1的組合儲存在硬碟中。於是，記憶卡和圖像編修軟體的關係，逐漸侵蝕底片與暗房的連帶。攝影作為一種創作，其新觀念與實際應用開始在數位場域上成形，為習於傳統攝影法的專業攝影師帶來難題，卻也為普羅大眾建立廉價的影響記錄開創新的可能。
或許，五年或十年之後，還拿著Nikon FM2是人們懷舊的象徵。但人們仰賴便捷的數位攝影建立的生活記錄，卻也大量沖淡了影像創作的藝術性格。從1990年代初期的「寫真世代」，到1990年末期的「大頭貼世代」，再到廿一世紀初期的「數位世界」，不同的影像時代呈現著五年級、六年級和七年級對於美感的標準和要求，也定位了影像工作者在不同年代的位置。小傑在想，想透過相機從事藝術創作的人，在現今年代將會更辛苦，因為數位工具和編修軟體的普及，大幅取代了過往應由影像工作者操執的專業空間，雖然半專業或擬似專業的成品仍與專業作品差距甚大，但起碼前者可以滿足一般消費者在成本考量下的美麗欲望。因而，影像藝術家不是朝普羅化發展，以高級消費機種和專業攝影眼光創造價值以分食大眾市場，要不就得往更高階的純影像創作領域開拓，做一般人難以創造的影像意境。試想，當幾米的插畫中那種無垠的想像空間可以從影像拼貼中產生，那會不會是下一波的主流？
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