日昨我買了這張拉赫曼尼諾夫演奏自己的鋼琴協奏曲２、３號。忽然很想寫一篇文章評論這張專輯背後的意義。
首先，市面上有許多這兩首曲子的版本，而這張專輯的錄音甚至演奏也未必是最佳的版本，然而我還是執意地要珍藏它，理由就在於它的歷史性。這張在二戰前錄的音，我們不能奢望當時的錄音技術能夠與現在比擬，但相較於技術層面，我們更在乎的是藝術本身，因為拉赫曼尼諾夫他永遠不可能再演奏他自己創作的曲目，唯有透過當時的錄音技術才能讓我們有幸聽到他詮釋自己的曲子。這裡就意味著兩件事：第一，創作者本身事實上並不見得會將自己的音樂詮釋的最好，雖然那些音符的排列組合是由他想出來，但可能專業的演奏家在技術上或者情感上更能夠比作曲家還要精湛準確，這就代表了一件事，作者已死，作者在自己的作品完成以後，他就抽離了創作該作品的情境，等到這項作品問世了以後，作品將變成永恆的物質，也就是俗稱的人類的結晶，但作者卻會隨著年齡的增長而老死。第二，錄音的意義，班雅明著名的文章中提到機械複製的年代，正如同現在我們市民所享受的休閒活動，在在都與媒介產生關聯，電影電視攝影繪畫唱片等，都變成了大量複製的產品，我們不再需要到西班牙欣賞高第的教堂，也不用到荷蘭欣賞梵谷的畫，這些都能夠利用電視照片使我們親眼目睹，當中也就產生了機械複製的藝術，這些藝術可以說是以媒介為基礎，攝影以照相機，電影以攝影機，音樂則是透過錄音機，剛過百年冥誕的卡拉揚之所以能夠名揚四海最大的原因除了他的才華外，就是他錄製專輯的質與量超越了當代任何一位指揮家，然而這些複製的藝術品就變成一項市場上銷售的產品，因為能夠大量複製的關係，成本相對降低，價格自然不會昂貴，我們不需要花幾億競標向日葵，只需要花幾十塊買張向日葵的海報，也只有在機械複製的年代底下我們才有幸聽到拉赫曼尼諾夫的親手演奏。
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