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我在維也納讀書時，有一次和同學到養老院去義演，當時我演奏的曲子是巴赫Ａ小調小提琴協奏曲所改編的木琴協奏曲。由於這首曲子，我演奏過非常多次，所以在演出前心情很放鬆。沒想到，到了養老院，發現那裡的鋼琴太久沒調音，木琴的琴鍵則是固定的，無法馬上調音，兩個樂器的聲音根本無法相互配合。

台上少了鋼琴伴奏，我的腦袋竟瞬間變空白，嚴重忘譜。當下只能半憑記憶力、半憑亂猜，在慌亂中結束這首曲子尷尬下台。我相信養老院的長輩們，長期孺慕古典音樂，對巴赫很熟悉，不會聽不出我的失誤。然而，他們卻十分包容，一樣給我熱情的掌聲。

下了台，我很自責，覺得自己身經百戰，演奏過不知多少場的音樂會，為何表現會這麼離譜？難道，「我不適合走音樂這條路？是不是應該趕快轉行？」內心不斷地這樣懷疑自己。

後來，我找了一間咖啡館坐下來，喝了一杯咖啡，平撫情緒。心神安定後，才轉個念想，自己學音樂這麼久了，不該輕言放棄。我開始思索平常怎樣練習曲子，過去是從視譜開始，一遍、十遍、五十遍、一百遍、兩百遍，不斷反覆練習，待熟能生巧後就上台演出。一直以來，也以為這樣就行了。又回想學生時期，除了主、副修，上了很多理論課—和聲、對位、曲式學、樂曲分析、音樂賞析、音樂史等等，這些課不就是為了幫助我了解掌握樂曲嗎？我才頓悟，過去所學並沒有充分運用在演奏上。所以，這杯咖啡的停頓與思考對我的影響很大。

自此，我調整方式，演奏一首曲子前，先了解作曲家、作品的歷史和創作背景，再分析曲子的結構、風格、曲式、詮釋、影響演奏的各種因素，並一一克服。再做各種不同演奏版本的比較，充分掌握曲子的肌理及精神後，才上台演出。如此一來，即便上台緊張出了錯，也能很容易找到連貫的方式。

因為一次嚴重的挫敗，讓我重新檢驗過去的練習方法。到後來教學生，也特別留意這塊。上課時總喜歡問學生「從拿到一個譜到上台演出中間，你會做什麼準備工作？」我希望學生不要只注重技巧，而應考慮很多層面，包括樂曲的指示性意義、音樂美學觀點、歷史象徵意義等。每個人都有各自理解樂曲的方式，有演奏者的角度、選擇訴求的表演方式；觀眾自身也會有非知識性的直覺感受，或者，評論者透過各項理論來分析。

而一首打動人心的曲子，本身是一個多重觸發體，會讓人產生很多領略。對演奏者，是個人藝術極致的挑戰和追求；對觀眾，是一種心靈的滿足及精神的震撼，是超出理解層次外，那種緊扣住你，使人久久不能言語的感動。對於評論者，更是在知識性、理論性分析之外的美感經驗加乘。

一首樂曲之所以能引起眾人共鳴，是因為演奏者內化了各種知識、技巧、經驗，再冶煉傳達出一種強大、動人的生命力。這種生命力，觸動人們的內心深處，達到一種看似無法分析卻又具有邏輯的「共通性」。這是我的理解，以此和大家分享！

（作者為國立臺北藝術大學校長）