民歌的年代，離我的存在是有點尷尬的距離，印象中對於像《外婆的澎湖灣》、《橄欖樹》之類的，都是聽過一些耳熟能詳的輕折細轉，但對於所購買節目本中的曲目，卻又顯得陌生疏離，唯一熟悉的只是文字內容，因為大部份都是古今詩人所流傳下來的不朽創作，至於曲調旋律則只能陌生以對。
今年的民歌已經邁入30年，不諱言之前對於民歌的確沒有太多的注意，所以30這個數字對於民歌的意義我不甚了解，以常理來思考，在流行歌曲充斥感官刺激的現代音樂潮流之下，民歌這樣深長雋永的細訴方式，或許已經不再是市場主流，也因此，這樣的民歌饗宴能生存至今，一定有其獨特的魅力，才能讓眾多的歌手及詞曲創作人趨之若鶩。
雖然對於民歌的發展以及詞曲型態的轉變並沒有太深入的了解，但從今年的《美詩歌演唱會》當中，依舊可以體會出當年民歌時代正火熱的時候，是帶給聽眾如何的聽覺盛宴。對於蘇來的大名早已久仰，但第一次親耳聽到他演唱自己的歌曲，說實話，當下並沒有太多的陶醉，由於蘇來又是唱開場暖身的部份，也因為現場音響的關係，我還在努力適應樂聲的震撼以及現場的聲光效果，因此對於蘇來的表現並沒有太大的感觸，但接下來的葉樹茵和巴奈則讓我深深愛上了這場表演。葉樹茵演唱《金縷鞋》以及《梅雪爭春》時自然的表現，雖然嗓音不盡完美，但卻恰巧完全搭配了她所選擇的曲風，兩者相互映輝，反而達到了意想不到的效果；巴奈的演出更讓我驚豔，震攝於她既能輕柔又能爆發的寬闊音域，演唱《我的思念》時，我完全陶醉在她略帶沙啞卻充滿韻味的沉吟，再加上曲風也是走小品路線，我整個人舒服得閉上眼睛不住的微笑，腦海中完全被這美麗的意境給佔據，接下來便是《城市英雄》帶出巴奈爆發性的唱腔，歌詞內容也極富意義性，讓我原本全身舒爽的細胞又頓時振奮的起來，到這時就已經深切的感受到這場演唱會的感動所在，其實我很少參加演唱會，也比較少能體會所謂現場演唱的魅力，而這樣一下子深沉一下子高亢的情緒起伏，著實過癮。接下來的于冠華，我覺得他本身商業歌手的形象已經在我腦海裡根深蒂固，所以他的演出倒沒有令我驚喜的地方。接下來的幾位歌手的演出例如楊弦、吳楚楚等，因為本身也同兼創作人的角色，演出自己的作品那種欣慰的滿足看了就令人感到動容。
其實將這樣的演唱會討論到現場觀眾被吸引的因素，我覺得有幾點跟劇場觀眾心理相類似，但也有些不同之處。像劇場的戲劇說是為大眾而做的，而作者一開始就開宗明義的說了，音樂是講求個人理解的一種藝術表現，不甚通俗，就這一點而言，可接受也可駁斥，首先很多歌詞的內容的確是詩人當下的心情表達，但卻不會這樣的因素而使聽眾無法了解他字裡行間的意涵，因為每個人都有自己的解讀，才會使這些詩詞傳唱至今依然扣人心弦，如果依照作者所說的音樂不具普遍接受性的話，那演唱會或演奏會何來如此多的聽眾，許多曲目如何流傳百世不衰。另一方面，作者也提到了關於新奇性的問題，說明就是因為戲劇的新奇性，反而會因為觀眾無法接受太新穎的事物，又或者是說太過新奇且沒有先備概念之下，對一個新的戲劇的理解力必定會大大的降低，因此戲劇不太強調須經沉思、新穎的或嶄新的題材，反倒會以社會大眾耳熟能詳的生活經驗來編寫，才能夠得到廣大的呼應。我覺得相較於音樂，這一點也是可以得到驗證的。民歌之所以讓人懷念，就是因為它有其歷史背景，會讓人遙想當年，當然這樣的非新奇性是建立在時間的長河之下，隨著日子不斷的流逝，越老的民歌越能引起共鳴，其實演唱會當天的聽眾，有許多都是有一定年紀的中老年人來參加，除了回味民歌藉以回想當年之外，更多的是可以來看看當年的老朋友，一起聊聊以前的年少輕狂，所以音樂其實對於所謂新奇性的要求不甚嚴格，甚至有很多歌手都會因為嘗試新的曲風而造成銷路大減的狀況，這就說明了即使是音樂，聽眾還是比較習慣熟悉的旋律或曲調，甚至是歌詞內容等。在《戲劇藝術之發展及其原理》中的劇場觀眾之心理的章節有提到「在劇場裡，動作應該比說話較為重要」，這是因為觀眾的眼睛比聽覺更具敏銳度，對演唱會來說，雖然主要是聽覺的享受，但是我覺得視覺也是不容忽視的，畢竟歌者的衣著或者是演唱時臉上陶醉的神情，都是台下聽眾會注意到的(最起碼我會)，我會因為歌者的臉部陶醉神情，而跟著對方一起悠游於旋律之中(巴奈演唱我的思念的時候，我就深深被她的皺眉給吸引住了)，再一次強調聽覺的感受當然十分重要，可是歌者演出時的視覺表現(包括聲光效果)也都是可以引起觀眾共鳴的重要條件。當然民歌有其主要吸引消費的聽眾，也就是生長在民歌年代的聽眾們，所以對於在現場的我，只能對於歌詞或旋律的本身做出聯想反應，卻很難遙想當年的我是如何怎樣。
其實單純的歌聲就很能讓人感動，畢竟音樂是人類共通的語言之一，有時候簡單的音符就能讓人放鬆，有時候簡單的吟唱就能讓人落淚，畫面故事只在自己的腦海中，所有的解讀都在自己的心裡，雖然同一首歌可能同時讓許多人都感到悲傷或愉悅，但每個人卻都有自己的解讀跟回憶，只屬於自己別人無法瓜分，我想，這就是音樂最美的地方吧。
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