2004-02-13 16:33:41 | 人氣(144) | 回應(0) | 上一篇 | 下一篇

最後四首歌

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德國藝術歌曲(Lied, Lieder)在十九世紀蓬勃發展,當時的曲風就已經由古典時期的保守單調,轉變成大膽多樣化,轉調迅速,而到了二十世紀,由於華格納(R. Wagner)更大膽的使用音樂調性模糊,以及變化音風格(Chromatic),使得其後的作曲家,在音樂創作上更加的前衛,在藝術歌曲的音樂部分更多變化。

在編制部分,以full orchestra來擔任藝術歌曲的伴奏,以成為一種潮流,一方面也是由於李斯特(Liszt),白遼士(Berlioz)等人,將古典時期樂團的編制擴大,或是把樂器數量加倍,還有華格納將歌劇與樂劇演出的樂器編制擴張到令人驚訝的地步(當然後人有更誇張的創舉),以致於二十世紀初期,許多的藝術歌曲,鋼琴伴奏版本往往是作曲家將自己原創的管弦樂伴奏版本加以改編而成。

當然,也有遵循著傳統的浪漫風格而創作的作曲家,德國作曲家雷格(M. Reger)就是其中一例,承襲了布拉姆斯(J. Brahms)與沃爾夫(H. Wolf)的風格,當然在傳統的和聲進行中,也有許多的轉調與變化音使用。

馬勒(G. Mahler)的管弦樂藝術歌曲創作為二十世紀的經典。他多以連篇歌曲(song cycle)的創作著名,諸如「少年的魔法號角」(Des Knaben Wunderhorn)、流浪青年之歌(Lieder eines fahrenden Gesellen)、悼亡兒之歌(Kindertotenlieder)與大地之歌(Das Lied von der Erde)等,這些作品的編制與風格已經可以視為一個單獨的交響詩作品,戲劇性與音樂張力不遜於馬勒自己的交響樂,事實上,馬勒的交響樂作品中有相當多的主題樂句都是引用連篇藝術歌曲中的某些歌曲,甚或一首歌曲就是交響樂中的一個樂章。

而史特勞斯(R. Strauss)的「最後四首歌」(Vier Letzte Lieder)則是「後浪漫時期」(借代使用,指1918年之後到五○年代為止)的代表之作,史特勞斯為二十世紀初期作曲家中,最常使用當代詩人的作品來譜曲的人,他的藝術歌曲數量不如十九世紀的作曲家那麼多產,但是他在每個創作時期,都沒有間斷藝術歌曲的創作。他最有名,現今也最受人傳唱的作品多半屬於他早期的藝術歌曲(如op. 10 與op. 27),而「最後四首歌」雖然不是他最後的作品,但是一直都被視作他晚年的代表作。

全曲共分為「春天」(Fruehling)、「九月」(September)、「臨睡前」(Beim Schlafengehen)、與「薄暮」(Im Abendrot)四首歌曲,前三首為漢斯(Hesse)的詩,最後一首為愛亨朵夫(Eichendorff)的作品,第一首的開頭以模糊的a小調本位和弦與七級七和弦輪替出現,女高音進來之後,模糊的轉調與變化音將音樂導至D大調上,「春天」這首曲子與其他三首不同的是,曲子的調號為a小調,亦即完全沒有升降記號,而全部使用臨時記號來升降還原。在模糊快速的轉調中,可以看出還是受到浪漫風格與華格納的影響。

首演在1950年5月22日,由芙拉哥斯塔(K. Flagstad)擔任女高音,福特萬格勒(W. Futwaengler)指揮愛樂管弦樂團於倫敦亞伯特廳演出,由於整組曲子的音域極廣,加上詮釋技巧難,一直被認為是女高音的試金石。

詮釋的問題一直都是當今樂迷所熱衷討論的,首演的女高音是華格納各樂劇的女主角第一人選,而七○年代卻以Schwarzkopf與Popp等具有花腔能力的女高音演出,其後演出的女高音也多為以花腔等清亮角色出道,等待聲音成熟厚實點之後,轉型成為華格納歌劇樂劇女高音之前才敢列為自己的repertoire。而諾曼(J. Norman)與馬索(K. Mazur)的錄音一推出之後,討論的風潮才正式點燃:究竟應該以戲劇女高音詮釋較為適合,或是清亮的聲音?

看看作曲家的首選吧,芙拉哥斯塔是華格納樂劇的當然女主角,以他的構想,勢必是以戲劇女高音為主,但是戲劇女高音的音域不一定能夠達到整首曲子的要求(芙拉哥斯塔就在首演時巧妙地躲過了第一首歌的最高音,改以下行和弦音演唱,這當然必須視演出者當時狀況而定)而樂迷們所喜歡的女高音也不盡相同,所以,請大家支持自己所愛就好了。

台長: 唱歌不好聽
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